Anoche, en la ciudad de Los Ángeles, tuvo lugar la 93ª edición de los Premios Oscars, los premios cinematográficos más importantes. Nomadland ha sido la gran ganadora de esta edición con tres estatuillas entre las que está el premio a 'Mejor Película', seguida de unos repartidisimos galardones: dos estatuillas para El Padre por la que Anthony Hopkins ha recibido el segundo Oscar de su carrera; las mismas que han recibido Mank, Soul, Judas y el Mesías negro y La Madre del Blues, por la que el español Sergio López-Rivera se ha alzado con el premio a 'Mejor maquillaje'.

Lo cierto es que, aunque exista la categoría de 'Mejor Fotografía' echamos en falta un premio donde se reconozca el trabajo que existe detrás de decorados e interiorismos, fundamentales en cualquier película para que sea todo un éxito. Por ello, y porqué pensamos que hay grandes obras de arte en los interiorismos de muchas películas a lo largo de la historia del séptimo arte.

¿Quieres conocer lo que se esconde detrás de los decorados de las principales películas cinematográficas? ¡Sigue leyendo!

Parásitos - Bong Joon-ho (Oscars 2020)
1/10

Parásitos - Bong Joon-ho (Oscars 2020)

Desde Corea del Sur llega esta película dirigida por Bon Joon-ho que, tras la edición de los Oscar de 2020, se convierte en el primer director coreano en ser galardonado con el premio a mejor película.

El largometraje se sucede en dos casas que muestran la guerra de clases, pero la historia evoluciona, principalmente, en una de ellas, la de la adinerada familia Park. Diseñada de manera ficticia por un supuesto arquitecto famoso llamado Namgoong Hyeonja, encontramos una vivienda de arquitectura moderna y minimalista construida como decorado realizado por el equipo de producción y diseñado por Lee Ha - Jun.

Todo lo que aparece en la pantalla tiene un propósito específico y un significado que aporta un mayor simbolismo a la historia; de esta manera, la vivienda fue proyectada teniendo en cuenta las necesidades del guión y de las cámaras. Tiene espacios amplios que pueden ser vistos discretamente por los personajes desde lugares concretos de la casa, e incluso alberga lugares desconocidos para los propietarios. Las diferentes alturas y las escaleras funcionan como la articulación principal de la residencia, dejando patente la importancia de la diferenciación de clases sociales. 

En la vivienda destaca la iluminación natural lograda a partir de grandes ventanales de suelo a techo, que inundan los espacios de luz a la vez que arrojan vistas a un jardín en el que destacan los juníperos chinos de follaje redondeado, que a su vez contrastan con las líneas rectas que predominan en toda la casa.

Las tonalidades grisáceas del cemento y de la madera oscura se confrontan con los tonos verdes del exterior del jardín, mientras que otros materiales como el mármol y la cerámica protagonizan los interiores de la vivienda.

La decoración del inmueble se genera principalmente a través de obras del artista SeungMo Park, que realiza imágenes con mallas de alambre de acero inoxidable.

El mobiliario también es minimalista y está diseñado por Bahk Jong–Sun que, tal y como describe Bon Joon-ho, ‘’utiliza proporciones y superficies cortadas, todas cuadradas y niveladas, y logra que se vean frías a pesar de que es madera’’. La mesa del salón realizada en madera de cerezo está diseñada específicamente para la película y tiene forma de escalera para, de nuevo, reflejar la diferencia de clases sociales.

En definitiva, la vivienda pasa a ser un personaje fundamental dentro de la historia.

La forma del agua - Guillermo del Toro (Oscars 2018)
2/10

La forma del agua - Guillermo del Toro (Oscars 2018)

Ambientada en la década de los 60, en la que el color asume una gran importancia, cercana a una estética steampunk en sus decorados, mezclada con toques fantásticos, pero a la vez muy próxima a la realidad, y con una trama de espionaje en torno a la guerra fría, encontramos esta gran película de Guillermo del Toro en la que declara su amor por el cine.

A través de los tonos verdeazulados y turquesa, la utilización del amarillo en determinados espacios y usando toques de color rojo en las escenas violentas, del Toro consigue que nos transportemos y viajemos a diferentes atmósferas con mucho colorido.

En la casa de Elisa, la protagonista de la historia, erigida sobre un gran teatro, notamos la importancia de las molduras talladas en madera oscura combinadas con papeles pintados que llenan de color la vivienda, baños alicatados con placas y baldosas de cerámica de colores, todo ello caracterizado con un toque desgastado y sucio por la humedad que impera en el ambiente de este personaje.

En los laboratorios en los que se desenvuelve el Coronel Richard Strickland, el villano de la historia, el hormigón y las instalaciones metálicas vistas son los materiales que predominan, además de las cerámicas de color turquesa que visten las estancias. 

Por último, en la casa del Coronel destacan los tonos amarillentos en los papeles pintados con geometrías de la época y con mobiliario en madera que, unidos, conforman una estética que recuerda a los anuncios publicitarios de los años 60.

El Gran Hotel Budapest - Wes Anderson (Oscars 2015)
3/10

El Gran Hotel Budapest - Wes Anderson (Oscars 2015)

Galardonada con cuatro Oscar, El Gran Hotel Budapest es una película en la que los planos están pensados minuciosamente y albergan multitud de significados.

Una de las características más notables en las composiciones de Anderson en esta película es la simetría y, para ello, recurre al estilo Art Decó con un diseño arquitectónico simétrico que lo hace convivir con el estilo Art Nouveau alemán, conocido como Jugendstil, cuyas formas no son tan florales como las del movimiento francés o catalán, de un antiguo almacén abandonado llamado Görlitzer Warenhaus en el que se graba el lobby del hotel.

El hotel muestra una transformación drástica materializada en dos estilos muy diferenciados y marcados a lo largo de la historia. El primero, por orden de aparición en la película, muestra una estética clásica de los años 60 con cortinas, moquetas y papeles pintados con diferentes geometrías, toques vintage y retro, con espacios amplios, grandes comedores y baños árabes, todo ello manteniendo las líneas clásicas del edificio, ahora en decadencia. Por otro lado, se muestra el hotel con una estética opulenta que hace respirar el lujo y la elegancia clásica europea bañada con colores pastel que le dan un carácter excéntrico.

Se cuida la iluminación y la decoración al máximo, mostrando el edificio en su máximo esplendor, puertas de hierro con pomos dorados, alfombras llamativas en pasillos alargados, columnas de mármol y amplias escaleras.

Her - Spike Jonze (Oscars 2014)
4/10

Her - Spike Jonze (Oscars 2014)

Un futuro no muy lejano es el que nos muestra Jonze con esta película. A través de la importancia del color y los sentimientos que estos nos pueden expresar, viajamos a través de los sentimientos del protagonista.

El interiorismo de la historia va de la mano del concepto de que la tecnología es la arquitectura invisible que construye nuestras vidas. Muy alejado de la estética cyberpunk, a la que se suelen ceñir las historias que transcurren en futuros distópicos, en Her se nos muestra entornos muy limpios, pulidos y luminosos, caracterizados por un minimalismo bastante aséptico, para dar el protagonismo al color que tiene el papel fundamental en la película como elemento comunicador de emociones y sentimientos.

La cualidad del diseño contemporáneo que se plasma en todo momento es la transparencia que queda reflejada tanto en la vivienda como en el puesto de trabajo del protagonista, interpretado por Joaquin Phoenix. La oficina es diáfana y se le da una gran importancia a la transparencia y a la supuesta personalización de los lugares de trabajo a través del color, quedando reflejado este aspecto en las mamparas de vidrio de los puestos de trabajo que destacan por sus colores cálidos y llamativos.

Estos elementos vivos y cristalinos enmarcados por perfiles metálicos aíslan los puestos de trabajo dejando a cada empleado su espacio, en el que se conecta con la tecnología y se desconecta del mundo real, estrategia que recuerda a los cubículos de trabajo que marcaron las oficinas de los años setenta; además, esta transparencia en los espacios hace que el exterior de la ciudad y su característico skyline se incluyan en los espacios interiores de la escenografía.

Por otro lado, la casa en la que vive Theodore, el protagonista, está desprovista de todo elemento decorativo, prestando así una visión funcional y minimalista del espacio de la vivienda. El suelo es de madera, lo que otorga calidez a un espacio que se percibe frío por sus vistas al exterior y la ausencia de cortinas.

Origen - Christopher Nolan (Oscars 2011)
5/10

Origen - Christopher Nolan (Oscars 2011)

Si los Oscar del 2011 tuviesen premio al mejor interiorismo, sin lugar a dudas, lo ganaría Nolan por enfrentarse al diseño de los espacios en los que se construyen los sueños.

Esta vez no hablamos de unos interiores que destaquen por una estética concreta, sino que lo que resalta es la manera en la que se erigen estos espacios a través de una construcción paradójica.

Usando la arquitectura como medio de creación de los sueños, toman forma unos escenarios en los que se rompen las leyes de la física. A través de la transformación geométrica de elementos cotidianos se consigue configurar nuevas formas y lugares totalmente creativos e innovadores, con los que el director de la película pretende transmitirnos la inexistencia de la realidad.

La repetición de un mismo elemento en el espacio, el uso de espejos que duplican las dimensiones de un lugar para hacerlo más extenso y confundir al espectador, además de las herramientas digitales que generan diversos efectos especiales son los ingredientes fundamentales para elaborar esta obra maestra de la arquitectura y el diseño.

También podemos observar cómo las localizaciones en las que se graba el largometraje tienen un carácter monumental que provoca en el espectador un sentimiento de inferioridad. El interés de estos lugares se ve incrementado con la estética singular de cada ciudad, que expresa las diferentes personalidades de los personajes y se reflejan en los sueños. Un ejemplo sería la ciudad que sueña el personaje interpretado por Leonardo Di Caprio consistente en multitud de rascacielos que recuerdan a La Ville Radieuse de Le Corbusier repleta de bloques habitacionales. 

Con todos estos aspectos, el escenario pasa a ser un personaje más en toda la historia y es un elemento vivo que cambia y muta a lo largo de la película haciendo convivir diferentes estilos de diversas épocas en un mismo entorno.

Moulin Rouge - Baz Luhrmann (Oscars 2002)
6/10

Moulin Rouge - Baz Luhrmann (Oscars 2002)

Dentro del entorno bohemio que respiraba París en 1900, nos sumergimos en el Moulin Rouge, un cabaret lleno de magia, baile y canto.

A través de una historia de amor imposible somos partícipes de muchos de los lugares que tienen cabida en un cabaret como lo son la pista de baile, los palcos, los camerinos o el cuarto de Satine (la protagonista de la historia).

Todos los decorados de la película, además de tener una apariencia realista, abarcan una armonía que podríamos enmarcar dentro de la estética kitsch caracterizada por el alto predominio de las formas y los colores, aunque también podríamos decir que bebe del estilo barroco por la carga excesiva de ornamentación, las líneas curvas que generan dinamismo y el expresionismo en el mobiliario, además de las lámparas de araña y las cortinas.

De esta manera se genera una mezcla de estilos que culminan en espacios artificiosos y recargados típicos del arte japonés, pero sobre todo del arte indio, haciendo destacar las composiciones con una geometría simétrica, mostrando entornos eclécticos en los que abunda el lujo, la multitud de texturas, los flecos, los tonos dorados y la iluminación recargada con muchos brillos.

Todo ello consigue generar una variedad de estímulos en el espectador que lo envuelve en el entorno musical, la vida nocturna parisina y el lujo y el espíritu bohemio que se vivía en aquella época en París, todo ello marcado por el color rojo que inunda todos los espacios expresando el amor y la pasión de los personajes.

Titanic - James Cameron (Oscars 1998)
7/10

Titanic - James Cameron (Oscars 1998)

El verdadero valor de los decorados de esta película es la reproducción tan veraz que hicieron del transatlántico real.

‘‘El barco de los sueños’’ sintetizaba perfectamente la sensación de lujo, poder y nobleza que se pretendía transmitir desde el principio.

Muchos de los espacios fueron construidos de tal manera que funcionaban alejándose de las peculiaridades antifuncionales que suelen tener los decorados. Este es el caso, por ejemplo, de las majestuosas escaleras de estilo imperial que protagonizan la zona de primera clase del barco, que se inundaron para poder grabar las escenas de la manera más realista posible.

Unas escaleras de madera de roble curvada con una barandilla de oro, paneles de madera tallados y todo ello iluminado con luz natural a través de una gran cúpula de cristal, muestra el lujo de la embarcación.

El diseño de los diferentes espacios, sobre todo en los camarotes, dejaba patente el distanciamiento social entre las clases sociales y el poder adquisitivo de los afortunados que habitaban la primera clase del barco.

Con una clara inspiración en el estilo barroco, con el uso cargado de alfombras, tapizados, panelados y molduras de madera tallada, encontramos los camarotes de la clase alta que, además, muestran estancias espaciosas, bien iluminadas con apliques de pared dorados y mobiliario de madera oscura, algunos incluso alojando pequeñas chimeneas. En contraposición, los camarotes de clase baja son espacios reducidos con literas, una pequeña ventana de ojo de buey y un lavabo con el espacio mínimo para trabajar.

El resto de espacios relativos a bares, restaurantes y salones siguen la misma estética ostentosa con una clara importancia en la geometría para dar la ilusión de armonía perfecta, se repite el uso de las molduras incluso en los techos y se incluyen numerosas columnas generalmente corintias.

Pulp Fiction - Quentin Tarantino (Oscars 1995)
8/10

Pulp Fiction - Quentin Tarantino (Oscars 1995)

Con su segunda película, Tarantino apareció por primera vez en las listas de nominados de los Oscar haciendo de ésta, quizás, el principal referente de la cultura pop contemporánea.

En un entorno neoyorquino con una estética que puede asemejarse a la del cómic, se generan espacios muy fotogénicos en los que predominan los colores rojos y amarillos que aportan mucho carácter al componente visual de la historia.

El largometraje está basado en el género literario pulp americano, distinguido por sus portadas llamativas y sugerentes, con una puesta en escena llena de color y de violencia en una atmósfera ficticia, a su vez mezclado con toques surrealistas que van de la mano de las drogas, entre otras cosas.

La cultura pop se ve reflejada a lo largo de toda la película pero es especialmente tangible en el restaurante Jack Rabbit Slim's en el que Mia Wallace y Vincent Vega llevan a cabo el famoso baile que dio la vuelta al mundo.

En el diseño interior del comedor, en el que se procura revivir las décadas de los años 1950 y 1960, destacan los coches vintage descapotables en los que los usuarios entran para sentarse a comer en los asientos acolchonados de los cadillacs. Todas las mesas rodean la gran pista central de baile que se muestra como si fuese un tacómetro.

El escenario se eleva sobre los espectadores ofreciéndoles buenas perspectivas desde todos los ángulos. Este elemento tan destacable sirve como producto de marketing que impone un modelo de negocio basado en generar espectáculos simultáneamente con las cenas del local.

Los carteles y neones que aparecen por todo el restaurante, junto con las baldosas cerámicas de diferentes tonalidades, potencian la estética pop que impera en el ambiente añadiendo colorido y dinamismo a la escena.

La naranja mecánica - Stanley Kubrick (Oscars 1972)
9/10

La naranja mecánica - Stanley Kubrick (Oscars 1972)

La Naranja Mecánica es una de las películas más polémicas de la historia del cine por su temática y por la censura que sufrió durante una larga temporada.

Kubrick nos muestra un interiorismo que nos hace viajar a los años 70, en el que destacan el colorido y los estampados de patrones geométricos, cercanos a la psicodelia, que incitan a explotar las pasiones más ocultas de sus habitantes mediante la luz, el color y el arte.

Por otro lado, la arquitectura toma un gran protagonismo en el futuro distópico que se muestra en la historia, a través de lugares que reflejan una sociedad rígida y estricta que busca la funcionalidad inmediata.

Estos aspectos se ven en escenas como la de Alex, el protagonista, y sus amigos cuando se cuelan en la moderna casa de un matrimonio rico y acomodado donde violan a la mujer y apalizan a su marido.

Esta casa se llama Sky Break House, se construyó en 1965 y fue proyectada por el estudio de arquitectura Team 4 formado por Richard Rogers, Norman Foster, Su Brumwell y Wendy Cheesman.

La vivienda fue pensada en sección y no en planta como prácticamente todas las casas; de esta manera, podemos ver cómo la arquitectura se adapta perfectamente al terreno a través de diferentes plataformas, abriendo la vista al exterior y generando grandes ventanales para introducir cenitalmente y de manera controlada la luz natural directa e indirecta desde el norte.

La vivienda consta de tres galerías posicionadas longitudinalmente y diferenciadas de más a menos privadas, según sus usos domésticos, que se conectan con paneles deslizantes. La zona de baños y habitaciones se separa con tabiques, la pastilla intermedia con la cocina y la sala de juegos lo hacen con mobiliario y los espacios menos íntimos como el salón o el comedor, quedan diferenciados por los cambios de altura del propio terreno en el que se localiza la residencia.

El mobiliario de la casa es ultra moderno y casi de la era espacial. Se coloca cuidadosamente como si fuesen piezas expuestas de un museo para reflejar los ideales futuristas del largometraje. Estos aspectos se ven aún más marcados por el uso de materiales como el acero, el vidrio, el plástico y la madera del suelo junto con los colores vivos.

El proyecto representa un alto nivel de vida, pero el director consigue hacer una crítica de este diseño en el momento en el que, al final de la historia, se vuelve a mostrar al dueño de la casa en silla de ruedas y con grandes dificultades para poder desplazarse con normalidad por su residencia dado los numerosos peldaños que contiene.

Mi tio - Jacques Tati (Oscar 1959)
10/10

Mi tio - Jacques Tati (Oscar 1959)

La mejor película extranjera de los Oscar de 1959 es una comedia francesa que, a través del humor, plasma aspectos importantes dentro del diseño moderno que empezaron a surgir poco después de la segunda guerra mundial.

Estableciendo relaciones y diferencias entre dos viviendas muy dispares entre sí, Jacques Tati pone en relieve muchos puntos del diseño y de las maneras de vivir de la nueva sociedad del momento, mostrando un conflicto entre dos mundos: una ciudad nueva con grandes avances tecnológicos, frente al encanto de un pueblo viejo y tradicional.

La primera vivienda, en la que vive la familia Arpel, evidencia la simplificación de formas, la ausencia de ornamento y una clara renuncia a la composición clásica, imponiendo un gran minimalismo. Su aspecto monocromático y modernista se apoya en un abanico de electrodomésticos muy avanzados y un decorado frío y muy poco funcional en el que todo se muestra excesivamente encorsetado.

El domicilio, con forma de cubo, seguramente conste de muros portantes en todo su perímetro, albergando en su interior una estructura metálica. En su exterior predominan materiales como el cemento, el granito de diferentes colores, el césped y los planos de agua que hacen reflejar el entorno, además del acero y el vidrio.

Por otro lado, el tío Hulot vive en un bloque de viviendas con apariencia de haber sido autoconstruido dado su carácter laberíntico (se accede a él a través de cruces de pasillos y numerosas escaleras), y en el que predomina el uso de la madera, el ladrillo y la piedra.

Entre los personajes del tío y su sobrino vamos viajando de un extremo a otro, siendo partícipes de las diferencias entre las excentricidades absurdas y comportamientos esnob de los ricos y la armonía y libertad con la que viven los ciudadanos convencionales en su entorno, plasmada en sus relaciones amables, honestas y naturales.

En resumen, esta película es un ejemplo de cómo la arquitectura y el diseño puede enfatizar las personalidades en nuestros modos y maneras de vivir.